Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

 

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

 

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

 

Fue cofundador de la agencia Magnum.

 

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia.

 

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

 

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como « el ojo del siglo ».

 

 

Richard Avedon

Reputado fotógrafo de moda y gran retratista comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

Davida Nebrada

No hay nadie que haya jamás escrito, o pintado, esculpido, modelado, construido, inventado a no ser para salir del infierno. Estas palabras de Antonin Artaud, excepcional artista enfermo de esquizofrenia, sirven ahora para presentar las imágenes más impactantes del nuevo mártir del panorama artístico internacional. Heridas, amputaciones, flagelaciones y llagas en su piel (todas ellas reales y no simples performances fingidas) dan cuenta de la relación especial que la locura puede mantener con la creación fotográfica en el caso de David Nebreda (Madrid, 1952), que confiesa que su vida es muchísimo peor a lo que muestran sus ya de por sí desgarradoras imágenes. Enfermo de esquizofrenia paranoide desde que tenia 19 años, no toma medicación y su única terapia la constituyen sus propias fotografías. Una de sus imágenes (probablemente escrita con fluidos corporales) contiene el siguiente texto a veces entrecortado con palabras en sucesión sin formar frases completas: he conocido al enemigo de dentro y de fuera. Tengo miedo de seguir utilizando mi sangre, las quemaduras, los azotes, el agotamiento, los clavos. Sólo conservar de mi patrimonio el silencio (…), movimiento, excremento, ritos…

Comentario: La verdad es que las fotografías de Nebrada son impactantes por todo el trasfondo que contienen, sin embargo en lo personal no me parece que el autoflagelarse o hacerse daño a sí mismo sea lo más representativo de su obra, ya que para mí esas actitudes no representan el arte de la fotografía sino solamente una inspiración para lograrlo.

Tipos de lentes fotográficos

El cuerpo del lente tiene lentillas de cristal para producir con calidad la imagen que tengo enfrente.

 Sus funciones más importantes, incluyen control sobre los siguientes factores:

1. Exposición o brillo relativo de una fotografía, se controla ajustando el anillo.

2. Profundidad de campo. Se modifica variando el tamaña de apertura.

3. Ampliación de la imagen.

4. Ángulo de visión o cobertura de tema, se determina mediante la distancia focal de la lente.

 Longitud Focal. Que tan cerca y que tan lejos aparecen cuando la imagen se proyecta en la película o en el sensor.

 Lentes Angulares o Cortas. Ángulo de visión más amplio, lente normal 50 mm. Antes esta el Gran angular, lente 70 - 105 mm (aparece mucho más lejos de lo que está en realidad).

Telefotos/Teleobjetivos.- Captura luz desde grandes distancias con un lente 24mm (comprime los kilómetros).

El lente contiene un diafragma (objetivo), la cuestión óptica fundamental para la fotografía, tiene cristales o lentillas; con mayor o menor grosor para dar calidad (entre menos elementos tenga, tendrá más calidad)

Lente normal o estándar. Ángulo de visión parecida a la del ser humano.

También encontramos una serie de escalas, con numeritos que tienen la abertura del lente.

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron ( 11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879 ) fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.

 

Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.

 

Técnica

 

 

Los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar,Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que le da el caracter poetico a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

Sus fotografías tienen algo de religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael. La historia sagrada se funde con la poesía, como en las fotografías de sus "Madonnas", que transmiten la pureza, el niño dormiendo mientras su madre cuida...

 Despreciaba la técnica y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas, arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas. Las fotografías estaban realizadas con un objetivo que no cubría el formato de las placas húmedas utilizadas por ella (20x25 y 30x40 cm) y estaban descuidadas, con las placas manchadas o arañadas; por ello los miembros de la "London Photographic Society" no la admitieron entre ellos. Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías malas, ya que no aprovechaba las ventajas técnicas de la camara, como la nitided, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico, buscaba más la expresión poética que la realista, expresión que conseguía sin duda y por la que ha pasado a la historia de la fotografía.

Rechazaba la idea de que la cámara era un objeto para documentar en vez de para crear arte.

 

Pictorialismo

Para el grupo de fotógrafos que lo conformaron, el pictorialismo supone hablar de una imagen más dentro de lo existente, de una imagen simple captada/separada de un mero registro de la realidad.

Surge como reacción a la fotografía de aficionados, considerada vulgar y nacida con la comercialización de la cámara fotográfica instantánea de Kodak, y se extiende rápidamente por todo el mundo. También se contrapone a la Fotografía academicista reivindicando los valores propios de la fotografía para la realización de obras de arte en plena igualdad con otras disciplinas artísticas (pintura, escultura, arquitectura,...). Es por ello que se renuncia a la imitación de la pintura.

Los fotógrafos del pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a los conocimientos técnicos (tal y como hacía Julia Margaret Cameron).

Se distancian de la realidad para que sus fotografías sean sólo imágenes y no una mera reproducción de la realidad, motivo por el cual buscan deliberadamente el desenfoque o efecto floue. Formalmente, la resolución plástica derivada de la imagen borrosa y los temas que eligen los pictorialistas, señalan una fuerte influencia del Impresionismo.

Eugène Atget

Eugène Atget, nace en Libourne (Francia) el 12 de Febrero de 1857.

Aún joven, viaja a Uruguay: quiere ser marino, profesión que deshecha al poco tiempo.
Forma parte de una compañía ambulante de teatro. No le encargan los papeles principales, debido a su no muy agradecido físico y a su fuerte acento regional.
Otra vez en París intenta ser pintor, pero de nuevo no tiene suerte.

Se convierte en fotógrafo que suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara.
Él considera sus fotografías como documentos para artistas.

También trabaja para ciertos organismos oficiales como la Comisión del Viejo París y la Biblioteca Histórica de la Villa de París, para los que realiza diferentes series: París pintoresco 1898-1900, El viejo París 1898, El arte en el viejo París 1900, La topografía del viejo París 1901, París Pintoresco 1910.

Utiliza una cámara de fuelle con placas de vidrio de 18 x 24 cm. con el objetivo desplazado, para evitar que las verticales se distorsionen, lo que provoca la aparición de bordes negros en la parte superior de sus fotografías.
La cámara que utiliza pesa unos 20 Kgs. y aunque ya existían los negativos flexibles, él nunca los utiliza.
Viaja en autobús o en metro. En un cuaderno suyo que se conserva, figuran las direcciones de sus clientes con la parada de metro más próxima.

Sus fotografías están realizadas a primeras horas de la mañana (se le solicitaba que no aparecieran personas) ya que el interés oficial se orienta hacia los monumentos históricos.
Recorre uno a uno los diferentes barrios de París. Amplía su objetivo de reflejar los monumentos históricos a todo edificio o lugar que le despierta interés. No está interesado en el Gran París de Hausmann, él está interesado en el París que cambia constantemente.
Realiza una cantidad ingente de fotografías desde 1898 hasta 1925, año de su muerte.
Al final de su vida se sugestiona con el París que está desapareciendo, hay textos en sus fotografías que indican la próxima desaparición de los elementos que figuran en las mismas.

Debido a un cúmulo de circunstancias, sus fotografías analizadas hoy reflejan algo que es posible que él ignorase en el momento de realizarlas: Un París que ya no existe, la ausencia de personas o más bien la presencia fantasmal de las mismas.
Sus fotografías no tratan de representar ningún acontecimiento, sino que son visión frontal, una mirada fría y aséptica del objeto de la fotografía tal y como es.
Este conjunto de elementos hoy nos transmiten una sensación de nostalgia y de drama, próxima a mensajes sugeridos por otros artistas nada ingenuos como puede ser Giorgio de Chirico.

Este análisis de sus fotografías fué ya realizado en su tiempo por fotógrafos como Berenice Abbott y Man Ray a los que conoció.
Man Ray le presenta a los surrealistas. Le proponen publicar alguna foto en el número de Junio de 1926 de la revista La Revolución Surrealista (Corset de 1912).
Atget dice: no incluyan mi nombre. Las fotos que tomo son simples documentos.
La posición política y moral de los surralistas no interesa a Atget.

En 1968 el MOMA de Nueva York adquiere 10.000 de sus negativos.
¿Son las fotografías de Atget meros documentos o es arte?
El trabajo de Atget trasciende a su creador.
Ha inventado la moderna fotografía.

Fuente: El ángel caído. Recuperdado el 21 de noviembre de 2008, de http://www.elangelcaido.org/fotografos/atget/atget.html

 

Nota: Este fotografo lo vimos en clase, existe un video hecho por otro alumno de comunicación que incluye su historia narrada y las principales obras del fotografo. La verdad que si me llamó la atención su obra, y también el hecho de que andubiera en trenes con la camarota gigante que usaba, además creo que si la frase "No incluyan mi nombre en las fotografíoas que tomo, son simples documentos" fue realmente dicha por él, eso lo hace un artísta sin más ambición que la del amor a su trabajo, y eso me gusta mucho.

Joel-Peter Witkin

Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

NOTA: Este autor lo vimos en clase y tiene una obra que puede ser muy grotesca o parecer ofensiva, esto en dado caso de que el espectador tenga una ideología que no le permita ver como arte la manera en que Witkin crea las imágenes. En lo particular no disfruto de ver imágenes como esta, prefiero otras crudas pero no tan explícitas, aunque creo que logran transmitir el sentir del artista.

 

 

La cámara oscura y el unicornio

La cámara fotográfica tiene su origen en la llamada cámara oscura pero modernizada. El primero en darle una definición fue Aristóteles: "Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente."

A pesar de que Aristóteles ya había dado esa definición el descubrimiento de la cámara oscura se le atribuye a Leonardo Da Vinci por haberle dado un uso práctico que era el de dibujar los contornos de las figuras.

Después, Battista della Porta le añadió un lente que aumentaba la visión y fue hasta el año 1822 cuando Niepce obtiene la primera fotografía lograda por el hombre.

 

El unicornio

Supuestamente hubo una época en que los unicornios fueron dados por reales, sin embargo, cuando el hombre dejo de verlos pasaron a la historia como un mito.

Se dice que el mago Berlín, muy famoso hoy en día porque es toda una leyenda, ayudó a que estos se extinguieran ya que fue él quien dijo que el orificio por conde entra la luz a la cámara oscura debe de ser hecho con la punta del cuerno del unicornio y pues se dice que todos le quitaban los cuernos a estas criaturas para hacer los orificios a las cajas, así que esa fue una de las causas de la extinción de los animales.

Y como los cuernos no son hueso sino cartílago, que no me consta pero que eso dijeron en clases, porque también hay cuernos de marfil como los de los elefantes, o de queratina, etc… pero supuestamente pues eran de cartílago y como este material no es tan perdurable pues es por eso que no hay restos de su existencia.

Si quieren saber más sobre el tema pues les recomiendo que entren a la página para que lean la historia completa, y puedan crearse su propia opinión sobre la dudosa existencia de estos animales, que la verdad a mi si me gustaría la idea de que estas criaturas tan “Románticas” hayan habitado algún día en la tierra.

 

 

LA IMAGEN!

 

 

 

Esta imagen esta de fondo en el campo "Texto" de mi mapa mental, pero decidí subirla solo en caso de que a alguien le guste y quisiera tomarla. =D

Saludos!*

 

Importancia de la fotografía

 

Algunas de las características por las cuales se considera importante la fotografía:

• Representa la historia del hombre en el mundo
• Ayuda a conocer el mundo distante
• Es el resguardo de la experiencia vivida
• El mundo se convierte en portátil e ilustrado
• Potencilmente informativa
• Medio de comunicación
• Método del conocimiento
• Instrumento de control y liberación
• Instrumento político, etc.

Estas son algunas de las características vistas en la clase de Producción Fotográfica I.

La foto que puse en esta entrada pertenece a la colección “Los otros niños del Pitic: una mirada a los niños que viven en la comunidad Triqui del Poblado Miguel Alemán”, de Rocío Solis. La puse poruqe me gusta mucho la expresión de las niñas y porque creo que va de acuerdo a las características mencionadas anteriormente, sobre todo con la que dice que el mundo se convierte en portátil e ilustrado.

 

Fotografía que menos me gustó!

Fotografía de  Zacarías Paz de la serie “Autorretrato: doble observación”

 

La verdad es que esta foto no me gustó para nada, porque que me transmitió un sentimiento de repulsión, simpleza y no me pareció creativa, la verdad es que no se cual fue la intención del autor, pero simplemente creo que no logré conectarme con su obra.

Saludos,

SolangeL!*

La foto que más me gustó

Esta imagen es de la seria "a solas" de Iván Aguirre, con la cual obtuvo el premio de adquisición del Concurso Estatal de Fotografía Creativa 2008.

Cuando vi por primera vez la imagen supe que esa era la elegida, me encantó porque me sentí identificada con ella, debido a que me transmitió sentimientos de soledad y miedo, y aunque soy una persona feliz ver esa imagen me hace recordar lo lejos que estoy de mis seres queridos, cuanto los extraño y también el miedo que siento de perderlos.

Por otro lado, todos tenemos momentos de soledad, así que me pareció un acto de conciencia, estar sólo hablando con uno mismo y reflexionando sobre lo que se hace o no, dónde la única voz que se escucha es la de tu consciencia.

Puedo decir que lo que la imagen me hace sentir es miedo, soledad, espiritualidad y reflexión.

Por otro lado me gustó como el joven fotógrafo editó las imágenes, puesto que me comentó que primero trató de  hacerlas en pintura pero al no lograrlo decidió recurrir efectos y trucos para lograr que su obra fuera tal como el deseó.

El montaje de la serie "a solas" fue presentado de manera muy llamativa a comparación de las otras obras, desde el tamaño de las imágenes al modo en que fueron presentadas.

NOTA: Como pueden ver el cristal que cubría las obras era muy brilloso y no se podía tomar las fotos sin que se reflejara lo que estuviera enfrente, así que hice un pequeño collage con el fin de que pueda apreciarse más.

Saludos,

SolangeL!*

La imagen reloaded!....

 

 

Adjunté la imagen del mapa nuevamente ya que el pasado estaba incompleto, como pueden ver éste es el mismo que expuse hoy en clase. Saludos!

 

SolangeL!*

 

La Imagen

Me parecio que la imagen y la dimensión lineal van tomadas de la mano, ya que ambas se complementan y hacen que tanto la conciencia histórica como la conciencia mágica sean dos modos distintos de ver el mundo pero que a la ves estan fundidos sin ser completamente conscientes de ello! =P Saludos!

 

SolangeL*Ochoa

Bienvenidos

 

El blog está dedicado especialmente a mi clase de Producción Fotográfica, sobre la cual tengo bastantes expectativas.

 Dicen que si no esperas demasiado de los demás nunca te sentirás decepcionado, pero yo creo que uno espera lo que es capaz de dar =D, así que espero demasiado.

 Saludos y espero que al igual que una servidora, disfruten del tiempo invertido aquí.